Les critiques...

... par Léticia Moura et Sibylle Vidalainq

Le Jeudi 28 novembre, nous avons assisté à la tragédie Phèdre de Racine aux Théâtre des Amandiers de Nanterre, accompagnées de Madame Jouanne et des élèves de classe de Première.

Phèdre est une tragédie en cinq actes écrite en vers par Jean Racine, représentée pour la première fois en 1677. Thésée est roi d’Athènes. Hippolyte est son fils, né de l’union de son premier mariage avec la reine des Amazones. Au début de la pièce Hippolyte annonce son départ pour fuir sa belle-mère, Phèdre, ainsi que l’amour qu’il a pour la jeune Aricie, un amour impossible étant d’un clan ennemi. On apprend également que Phèdre est amoureuse de son beau-fils. Alors qu’un jour on lui apprend la mort de Thésée, Phèdre avoue alors ce qu’elle ressent à Hippolyte, il la repousse avec horreur. Le bruit se répand alors que le roi Thésée n’est pas mort et qu’il rentre bientôt ; il est alors accueilli froidement par son fils et son épouse et exige des explications auprès de la nourrice de Phèdre, Oenone. Celle-ci ne trouve aucun autre moyen que de mentir et d’accuser Hippolyte. Thésée, fou de rage, accable son fils de malédiction et implore même le Dieu Neptune. On apprend peu de temps après la mort d’Hippolyte, tué par un monstre. Rongée de remords Phèdre accourt dévoiler la vérité, mais alors qu’elle finit de se confesser, elle meurt au pieds de son époux, en effet elle s’était empoisonnée avant.

Nous avons assisté à la pièce de Phèdre dans la salle transformable. La scène était au centre et s’étendait sur toute la longueur de la salle, entourée de gradins de chaque côté. Sur le côté gauche il y avait un mur de pierre et sur le côté droit un tapis rouge et deux chaises (ou deux trônes) symbolisant le pouvoir. Sur l’une de ces chaises, nous pouvions voir une épée qui pouvait représenter la guerre, la violence et le sang. La forme de la salle était un choix judicieux car elle permettait ainsi aux comédiens d’aller et venir par plusieurs endroits. Parfois, il y avait une vraie proximité avec le public lorsque les personnages arrivaient par les escaliers qui séparaient les gradins en deux parties. Le metteur en scène, nommé Jean-Louis Martinelli, a choisi des comédiens très talentueux pour représenter les personnages de la tragédie. Ainsi, Mounir Margoum interprétait le rôle d’Hippolyte, le fils de Thésée. Son costume était simple, composé d’un pantalon noir, d’une longue écharpe qui lui permettait de “jouer” avec et qui était parfois remplacée par un long peignoir marron pailleté. Il était toujours torse nu. Le choix correspondait bien avec la position du personnage dans la pièce. D’ailleurs, son père, le roi Thésée incarné par Hammou Graïa était lui aussi lors du dernier acte torse nu, avec un peignoir rouge. C’est le seul a avoir eu un costume avec une couleur vive. Pour Thésée, lors de son entrée sur scène, il portait une armure doré avec une cape rouge car il revenait de la guerre. Étant le roi d’Athènes, il doit porter des vêtements qui lui donnent de l’importance en accord avec son rang. Sa voix était forte, pour montrer qu’il était bien le roi mais cette même voix pouvait aussi rendre le personnage ridicule. Phèdre, personnage éponyme de la pièce était représentée par Anne Suarez, une femme blonde, plutôt belle et jeune afin de pouvoir tenter de séduire Hippolyte. Elle portait tout au long de la pièce une robe couleur chair, qui se fondait avec sa peau.

Parmi les personnages secondaires il y avait Œnone, joué par Sylvie Milhaud : c’est la nourrice de Phèdre, une dame assez âgée. Phèdre avait également une femme de suite, Panope, incarnée par Gaëlle Voukissa. Aricie, “l’amoureuse” de Phèdre, représenté par Sophie Rodrigues était jeune et jolie. Elle avait une robe bleue comme sa confidente Ismène jouée par Delphine Cogniard. Enfin, Théramène, le gouverneur d’Hippolyte, était interprété par Abbès Zahmani.

Nous avons plutôt bien apprécié la pièce dans l’ensemble malgré quelques tirades parfois assez longues.

Léticia Moura et Sibylle Vidalainq

... Par David Ebray et Nathan Van Laere

Phèdre est le chef d’oeuvre incontesté de Racine, qui atteste parfaitement de sa maturité théâtrale. La scène de déroule alors en Grèce, durant l’Antiquité. Hippolyte, fils du roi d’Athènes Thésée, annonce à son gouverneur Théramène qu’il veut quitter Trézène. En réalité, il aime Aricie, princesse déchue que des raisons politiques l’empêchent d’aimer. Parallèlement, Phèdre, femme de Thésée, souffre d’un mal existentiel qui la ronge : elle s’est éprise de son beau-fils. C’est alors qu’on annonce la mort du roi. Voilà aussitôt Phèdre qui se décide à déclarer sa flamme au jeune Hippolyte, qui finit par la rejeter. Cet aveu est le noeud de l’intrigue, qui sera la cause de toutes les conséquences tragiques ultérieures.

Dès notre entrée dans la salle, le premier élément de mise en scène, tout à fait particulier et unique en son genre, frappe le spectateur: Les gradins sont divisés en deux parties placées face à face avec la scène en leur milieu, s'étendant sur toute la longueur de la pièce. Sur scène sont déjà présent les symboles des grandes valeurs évoquées dans la pièce. L'épée, placée au milieu du plateau représente la violence, la guerre, la confrontation, mais également la mort. A l'une des extrémités de la scène se trouvent deux sièges, deux trônes, symboles de pouvoir et annonçant l'arrivée de rois et reines, de princes et valets, de dames et de suivantes. A l'opposé est placé un gigantesque roc, une pierre tout à fait imposante symbolisant la force, la puissance ainsi que la stature du roi d’Athènes.

La pièce débute dans la pénombre. Hippolyte est le premier personnage sur scène; il est d’ailleurs présent avant même le début de la pièce. Dès ses premières répliques adressées à Théramène, il s’empresse de saisir l’épée; cela conforte l’idée de confrontation, d’affrontement qui aura lieux dans la pièce. Arrive ensuite, Phèdre, jeune, belle et attirante: les raisons pour lesquelles Hippolyte a su se laisser tenter par les avances de cette dernière sont donc plus susceptibles d’être crédibles vis-à-vis du spectateur.

Enfin, c’est au tour de Thésée de se présenter sur scène, revenant d’entre les morts et vêtu d’une imposante armure dorée et couvert d’une cape d’un rouge flamboyant. Après plusieurs procédés de lumière et d’effets comme le tonnerre qui gronde, la chute du roc, ou la pluie dans le dos de Thésée, nous apprenons la mort des différents personnages dans une ambiance tout à fait  sombre.

De gauche à droite : OEone, Phèdre, Thésée, Hippolyte et Théramène.

Nous avons trouvé la pièce assez inégale dans son ensemble : l’originalité de l’organisation scénique fut un des points fort de la pièce. Toutefois, le jeu des personnages nous a un peu laissé sur notre faim. J’aimerais mettre l’accent sur l’un des choix du metteur en scène Jean Louis Martinelli. Sa volonté de choisir une Phèdre jeune, d’un âge semblable à celui d’Hippolyte, ce qui est contraire à la logique prônée par le texte, rend l’aveu incestueux de Phèdre plus probable. En effet, dans l’acte II scène 5, ivre de volupté, de tendresse et d’horreur, elle déclare sa flamme au jeune homme, muet de stupeur.

Le personnage de Thésée a manifestement lieu d’être jugé et commenté. Incarné par Hammou Graïa, il n’arrivait pas à maintenir sa voix. Seul personnage à apporter une touche comique dans cette tragédie, Thésée est le héros tutélaire de l’Attique qui s’est défait de nombreux monstres mythologiques tels que le Minotaure. Lors de son retour à Trézène et qu’il doit faire face à un accueil glacial de la part de Phèdre, il ne sait que penser de tout cela : il représente en quelque sorte la bonne brute niaise, dont la seule occupation est de terrasser ses adjuvants.

David Ebray et Nathan Van Laere.

Au théâtre (« Pourquoi j’ai mangé mon père »  de Patrick Laval d’après le roman de Roy Lewis), en danse avec la chorégraphie de Gallotta: «Yvan Vaffan" et en littérature (textes de Lewis Strauss…) on analysera comment ces œuvres questionnent l'humanité dans rapport au corps et au langage et en quoi l'art est le lieu privilégié pour exprimer ces tensions de réalisation de soi.

Théâtre avec le comédien: Damien Ricour

LE CORPS à soi-même:
Damien Ricour a mis en scène l'accès à la verticalité, entre désir d'évolution et de régression. Sa gestuelle tribale évolue dans une lutte acharnée entre la nature et la culture. L’homme primitif ne peut être réprimé, les forces archaïques n’ont de cesse de dynamiser son évolution dans l’espace scénique.
Le corps dans sa relation à autrui induit des places dans le groupe. Si le comédien est seul sur scène, il joue sa femme et ses enfants, incarnant dès lors plusieurs personnages. La place et le rôle de la femme correspondent à nos préjugés archaïques selon lesquels elle est soumise, cantonnée aux tâches domestiques, dotée d’un corps attirant et aguicheur... Cette pièce interroge donc les places de tout un chacun dans la tribu, et par extension dans la famille.
LE LANGAGE:
Le jeu des onomatopées est exploité comme une source de plaisir et de communication jusqu'à la création de mots... Le langage verbal se tisse peu à peu et chemine vers une évolution. Le comique procède de tous les bruits, des grimaces et de la gesticulation excessive du comédien, exprimant ainsi la part d’animalité dans l’homme, mettant au grand jour le côté sauvage de l’homme, bien enfoui dans l’homme civilisé.

Le même questionnement présidera à la lecture des autres arts: la chorégraphie de Gallotta et les textes littéraires.

EN DANSE/ « Yvan Vaffan » de Gallotta    http://theatre-chaillot.fr/danse/jean-claude-gallotta/yvan-vaffan

On y découvre une tribu de danseurs venus d'on ne sait quelle contrée, avec une gestuelle fougueuse, un engagement aux confins du théâtre.

Cette chorégraphie, contrairement à la pièce de théâtre, ne met pas en scène des corps en tension entre la nature et la culture mais réunit l’aspect tribal aux mœurs contemporaines, réalisant une sorte de fusion entre la nature et la culture.

La chorégraphie ne crée donc pas une lutte entre les deux instances de l’homme (animale et humaine) mais joue avec cette dualité présente en nous. La verticalité contrôlée laisse ainsi place aux décalages et à la prise de risque : « est-ce-que ça tient ? » nous dit un danseur.

Maud Bédiée

J’aurais voulu être Égyptien, une mise en scène de Jean Louis Martinelli pour le théâtre des Amandiers.

    Le roman Chicago, écrit par Alaa El Aswany a été adapté au théâtre sous le titre J’aurais voulu être Égyptien, par Jean-Louis Martinelli.

    Dans son roman, l’auteur s’intéresse à ses compatriotes exilés aux USA. « Les personnages de ce roman polyphonique, plongés dans une Amérique traumatisée par les attentats du 11 septembre, se débattent entre deux mondes, fait remarquer le metteur en scène Jean-Louis Martinelli. Il est question de système policier, de corruption, de désir de révolution, mais le grand art d’El Aswany est de rendre ces questions concrètes ». En partant gagner ma vie dans un pays riche, est-ce que j’ai trahi ma nation ? Si, en tant que femme, je préfère vivre ma vie hors du mariage, mes parents me renieront-ils ? Si je décide de consacrer ma vie à la lutte contre un régime autoritaire, puis-je me permettre de tomber amoureux ? À la manière d’une série télévisée orientale, J’aurais voulu être Égyptien passe du drame au rire, des enjeux politiques aux perspectives intimes, pour brosser un état des lieux de l’Égypte telle qu’elle était à la veille de la révolution de 2011.

La critique de la représentation du 17 janvier 2013,

par Mathéa Boudinet et Caroline Pezzoli, élèves de Première 3.

« J’aurais voulu être Egyptien » : à quoi peut-on s’attendre ? Au premier abord, nous pensions que cette pièce, basée sur le roman Chicago d’Alaa El Aswany, montrerait le choc culturel entre Américains et Egyptiens, tant pour le mode de vie que la religion. Autant dire que nous fûmes surprises ! La scène d’exposition nous a rendues perplexes quand, tout à coup, quelqu’un est sorti des coulisses, a vérifié que tout était en place et qu’ensuite, tous les acteurs sont arrivés sur scène en discutant, comme pour une répétition. L’absence de transition entre le réel et le spectacle nous a déstabilisées.
Cependant la mise en scène qui a suivi a apporté à la pièce plus de cohérence entre les scènes. Tout d’abord, le naturel et le dynamisme des acteurs fut un des ses aspects les plus remarquables. On sent qu’ils sont impliqués à tout moment, car les coulisses sont sur scène et donc ils peuvent s’observer mutuellement ; chacun montre son soutien et un intérêt particulier au protagoniste en action, comme s’il se sentait concerné par ses paroles.
Le décor est simple, divisé en trois parties : la scène en elle-même, les coulisses qui ne sont séparées que par un trait blanc marqué au sol, et l’arrière-scène, représentant une vue nocturne de Chicago, que ce soit (selon les avis) un balcon, une véranda ou le bord d’un quai. D’autre part, le metteur en scène a fait le choix d’alterner dialogues et passages narratifs afin de rester le plus proche possible du roman original. Ensuite, la pièce était composée de moments variés, grâce à des passages chantés (que ce soit des chants traditionnels ou de la musique contemporaine) et des scènes courtes retranscrivant les histoires des différents personnages qui se succédaient. Nous tenons également à dire que deux passages nous ont paru bien faits : Mathéa a beaucoup apprécié la manière dont le dénudement de la prostituée a été représenté (vu que ce personnage n’est qu’une voix venant des coulisses, quelqu’un jette une robe bleue qui tombe au sol, comme si une actrice avait enlevé ses vêtements) ; Caroline, quant à elle, a trouvé la scène dans le sex-shop drôle et insolite. 

par Zineb Tadrarti, élève de Première 9.

    Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris nous propose, en ce moment et jusqu’au 13 février prochain, une exposition inédite et exceptionnelle intitulée « L’Art en guerre, de Picasso à Dubuffet ».
    Vous en prendrez plein la vue en contemplant des formes artistiques variées (peinture et sculpture), appartenant aux différents mouvements de cette période (surréalisme, cubisme, etc...). La progression est chronologique, parcourant les années noires de l’Europe, de 1938 à 1947 : de la montée du Nazisme, à l’occupation et au régime de Vichy, jusqu’à la libération. Dès l’entrée dans les salles du musée, la reprise d’une installation de l’exposition internationale du surréalisme en 1938 sollicitera vos sens et vous plongera dans le passé.
    L’exposition est divisée en trois grandes périodes : avant, durant et après la guerre. La première est celle de la montée des risques et des dangers, celle des emprisonnements liés au manque de liberté d’expression. La seconde période est celle de l’occupation nazie et des œuvres réalisées clandestinement. En enfin la troisième période est celle de la libération, période dite de « décompression », car les œuvres réalisées à ce moment-là sont pour les artistes une façon de témoigner de leurs émotions sur ce qui s’est déroulé durant la guerre.
    Ainsi, je vous invite à découvrir au plus vite cette exposition, pour enrichir votre culture à la fois en art et en histoire, mais aussi pour voyager dans ces années sombres de l’Europe. 

Anton Räderscheidt, Camp de femmes (1940) :

Cette œuvre représente des femmes entassées et en feu dans des camps.

Aubade (1942) : Pablo Picasso réalise cette œuvre

alors qu’il est reclus dans son atelier.

Il ne la dévoilera qu’après la guerre.

Marc Chagall, dernière partie d'un triptyque intitulé

"Résistance, Résurrection, Libération" (1937-1952).