Les critiques...

... par Léticia Moura et Sibylle Vidalainq

Le Jeudi 28 novembre, nous avons assisté à la tragédie Phèdre de Racine aux Théâtre des Amandiers de Nanterre, accompagnées de Madame Jouanne et des élèves de classe de Première.

Phèdre est une tragédie en cinq actes écrite en vers par Jean Racine, représentée pour la première fois en 1677. Thésée est roi d’Athènes. Hippolyte est son fils, né de l’union de son premier mariage avec la reine des Amazones. Au début de la pièce Hippolyte annonce son départ pour fuir sa belle-mère, Phèdre, ainsi que l’amour qu’il a pour la jeune Aricie, un amour impossible étant d’un clan ennemi. On apprend également que Phèdre est amoureuse de son beau-fils. Alors qu’un jour on lui apprend la mort de Thésée, Phèdre avoue alors ce qu’elle ressent à Hippolyte, il la repousse avec horreur. Le bruit se répand alors que le roi Thésée n’est pas mort et qu’il rentre bientôt ; il est alors accueilli froidement par son fils et son épouse et exige des explications auprès de la nourrice de Phèdre, Oenone. Celle-ci ne trouve aucun autre moyen que de mentir et d’accuser Hippolyte. Thésée, fou de rage, accable son fils de malédiction et implore même le Dieu Neptune. On apprend peu de temps après la mort d’Hippolyte, tué par un monstre. Rongée de remords Phèdre accourt dévoiler la vérité, mais alors qu’elle finit de se confesser, elle meurt au pieds de son époux, en effet elle s’était empoisonnée avant.

Nous avons assisté à la pièce de Phèdre dans la salle transformable. La scène était au centre et s’étendait sur toute la longueur de la salle, entourée de gradins de chaque côté. Sur le côté gauche il y avait un mur de pierre et sur le côté droit un tapis rouge et deux chaises (ou deux trônes) symbolisant le pouvoir. Sur l’une de ces chaises, nous pouvions voir une épée qui pouvait représenter la guerre, la violence et le sang. La forme de la salle était un choix judicieux car elle permettait ainsi aux comédiens d’aller et venir par plusieurs endroits. Parfois, il y avait une vraie proximité avec le public lorsque les personnages arrivaient par les escaliers qui séparaient les gradins en deux parties. Le metteur en scène, nommé Jean-Louis Martinelli, a choisi des comédiens très talentueux pour représenter les personnages de la tragédie. Ainsi, Mounir Margoum interprétait le rôle d’Hippolyte, le fils de Thésée. Son costume était simple, composé d’un pantalon noir, d’une longue écharpe qui lui permettait de “jouer” avec et qui était parfois remplacée par un long peignoir marron pailleté. Il était toujours torse nu. Le choix correspondait bien avec la position du personnage dans la pièce. D’ailleurs, son père, le roi Thésée incarné par Hammou Graïa était lui aussi lors du dernier acte torse nu, avec un peignoir rouge. C’est le seul a avoir eu un costume avec une couleur vive. Pour Thésée, lors de son entrée sur scène, il portait une armure doré avec une cape rouge car il revenait de la guerre. Étant le roi d’Athènes, il doit porter des vêtements qui lui donnent de l’importance en accord avec son rang. Sa voix était forte, pour montrer qu’il était bien le roi mais cette même voix pouvait aussi rendre le personnage ridicule. Phèdre, personnage éponyme de la pièce était représentée par Anne Suarez, une femme blonde, plutôt belle et jeune afin de pouvoir tenter de séduire Hippolyte. Elle portait tout au long de la pièce une robe couleur chair, qui se fondait avec sa peau.

Parmi les personnages secondaires il y avait Œnone, joué par Sylvie Milhaud : c’est la nourrice de Phèdre, une dame assez âgée. Phèdre avait également une femme de suite, Panope, incarnée par Gaëlle Voukissa. Aricie, “l’amoureuse” de Phèdre, représenté par Sophie Rodrigues était jeune et jolie. Elle avait une robe bleue comme sa confidente Ismène jouée par Delphine Cogniard. Enfin, Théramène, le gouverneur d’Hippolyte, était interprété par Abbès Zahmani.

Nous avons plutôt bien apprécié la pièce dans l’ensemble malgré quelques tirades parfois assez longues.

Léticia Moura et Sibylle Vidalainq

... Par David Ebray et Nathan Van Laere

Phèdre est le chef d’oeuvre incontesté de Racine, qui atteste parfaitement de sa maturité théâtrale. La scène de déroule alors en Grèce, durant l’Antiquité. Hippolyte, fils du roi d’Athènes Thésée, annonce à son gouverneur Théramène qu’il veut quitter Trézène. En réalité, il aime Aricie, princesse déchue que des raisons politiques l’empêchent d’aimer. Parallèlement, Phèdre, femme de Thésée, souffre d’un mal existentiel qui la ronge : elle s’est éprise de son beau-fils. C’est alors qu’on annonce la mort du roi. Voilà aussitôt Phèdre qui se décide à déclarer sa flamme au jeune Hippolyte, qui finit par la rejeter. Cet aveu est le noeud de l’intrigue, qui sera la cause de toutes les conséquences tragiques ultérieures.

Dès notre entrée dans la salle, le premier élément de mise en scène, tout à fait particulier et unique en son genre, frappe le spectateur: Les gradins sont divisés en deux parties placées face à face avec la scène en leur milieu, s'étendant sur toute la longueur de la pièce. Sur scène sont déjà présent les symboles des grandes valeurs évoquées dans la pièce. L'épée, placée au milieu du plateau représente la violence, la guerre, la confrontation, mais également la mort. A l'une des extrémités de la scène se trouvent deux sièges, deux trônes, symboles de pouvoir et annonçant l'arrivée de rois et reines, de princes et valets, de dames et de suivantes. A l'opposé est placé un gigantesque roc, une pierre tout à fait imposante symbolisant la force, la puissance ainsi que la stature du roi d’Athènes.

La pièce débute dans la pénombre. Hippolyte est le premier personnage sur scène; il est d’ailleurs présent avant même le début de la pièce. Dès ses premières répliques adressées à Théramène, il s’empresse de saisir l’épée; cela conforte l’idée de confrontation, d’affrontement qui aura lieux dans la pièce. Arrive ensuite, Phèdre, jeune, belle et attirante: les raisons pour lesquelles Hippolyte a su se laisser tenter par les avances de cette dernière sont donc plus susceptibles d’être crédibles vis-à-vis du spectateur.

Enfin, c’est au tour de Thésée de se présenter sur scène, revenant d’entre les morts et vêtu d’une imposante armure dorée et couvert d’une cape d’un rouge flamboyant. Après plusieurs procédés de lumière et d’effets comme le tonnerre qui gronde, la chute du roc, ou la pluie dans le dos de Thésée, nous apprenons la mort des différents personnages dans une ambiance tout à fait  sombre.

De gauche à droite : OEone, Phèdre, Thésée, Hippolyte et Théramène.

Nous avons trouvé la pièce assez inégale dans son ensemble : l’originalité de l’organisation scénique fut un des points fort de la pièce. Toutefois, le jeu des personnages nous a un peu laissé sur notre faim. J’aimerais mettre l’accent sur l’un des choix du metteur en scène Jean Louis Martinelli. Sa volonté de choisir une Phèdre jeune, d’un âge semblable à celui d’Hippolyte, ce qui est contraire à la logique prônée par le texte, rend l’aveu incestueux de Phèdre plus probable. En effet, dans l’acte II scène 5, ivre de volupté, de tendresse et d’horreur, elle déclare sa flamme au jeune homme, muet de stupeur.

Le personnage de Thésée a manifestement lieu d’être jugé et commenté. Incarné par Hammou Graïa, il n’arrivait pas à maintenir sa voix. Seul personnage à apporter une touche comique dans cette tragédie, Thésée est le héros tutélaire de l’Attique qui s’est défait de nombreux monstres mythologiques tels que le Minotaure. Lors de son retour à Trézène et qu’il doit faire face à un accueil glacial de la part de Phèdre, il ne sait que penser de tout cela : il représente en quelque sorte la bonne brute niaise, dont la seule occupation est de terrasser ses adjuvants.

David Ebray et Nathan Van Laere.

Les critiques...

...par Marine Février, Romane Gibelin et Anne-Flore Leroi, élèves de P2.

Le 3 octobre 2013, nous avons assisté à la représentation de Macbeth (pièce écrite par Shakespeare) au théâtre des Amandiers,  mis en scène par Laurent Pelly. Cette pièce relate la descente aux Enfers d’un personnage, Macbeth. Au fil de la pièce, il devient tyrannique, avide de sang. Tout ceci est déclenché par la soif de pouvoir.

Le rideau s’ouvre sur les trois sorcières, également appelées soeurs du destin, qui racontent aux spectateurs l’étouffement d’une révolte par Macbeth. D’ailleurs la première scène se termine sur le nom : “Macbeth”. Le spectateur est donc plongé dans un mystère et est impatient de découvrir la suite.

Dès le début les murs sont  disposés comme un labyrinthe très complexe et qui change de forme à chaque fermeture de rideau. Ils sont  parfois relégués sur les bords de la scène pour laisser place soit à la maison de Macbeth, soit à la salle du château (lors du banquet par exemple) ou lors de la bataille finale où il y a une absence complète de murs et même de décors. La musique employée tout au long de la pièce est angoissante et correspond très bien à l’atmosphère qui se dégage de cette pièce.

La mise en scène ainsi que la fumée tout  le long de la pièce font penser à un rêve et qui se transforme peu à peu en cauchemar pour le personnage principal qui tombe dans une folie dont il ne veut pas ou ne peut pas sortir : « Je me suis tant enfoncé dans le sang que si je cessais d’avancer, le retour en arrière serait aussi dur que de continuer ». Le trône gargantuesque indique également la soif de pouvoir, sa puissance sur le peuple. L’actrice, Marie-Sophie Ferdane, qui incarne Lady Macbeth, nous offre une scène de somnambulisme formidable. Encore une fois les éclairages et le décor choisis nous plongent dans l’angoisse.  

La dernière scène est très simple et épurée. En effet on ne voit quasiment plus les murs : l’ensemble de la mise en scène est fondée sur la lumière émise par les projecteurs placés au fond de la scène, de telle façon que l’on ne puisse pas voir les personnages arrivant du fond de la scène ce qui, à la fin de la pièce, pousse le spectateur à se demander ce qu’il va se produire.    

Finalement nous avons beaucoup apprécié cette pièce qui lie a la fois la modernité (elle prend d’ailleurs une ampleur cinématographique) et le texte ancien de Shakespeare. La mise en scène nous a vraiment  plongées dans la pièce qui est très sombre mais qui réussit tout de même, parfois, à nous faire rire. Malheureusement le pièce dure trois heure ce qui peut paraître long pour certaines personnes. Le jeu des acteurs est si impressionnant (en particulier celui de Macbeth et de Lady Macbeth), que

nous avons presque pu nous mettre à leur place et ressentir différentes émotions à leur égard.

... par Kimia Gharagozlou et Jéssica Garrido, élèves de P2.

Jeudi 03 Octobre nous avons assisté à la représentation théâtrale de Macbeth de Shakespeare en compagnie de notre professeur de français Mme Jouanne. Cette pièce est présentée dans une mise en scène moderne (les décors et leurs effets de perspectives, les jeux de lumières) avec un jeu des acteurs plutôt classique. Macbeth est notre première tragédie shakespearienne, et elle est conforme à ce que nous en attendions : une langue belle et juste et un ton tragique tout au long d'une pièce émaillée de complots et de meurtres.

Nous avions la chance d’être assises au premier rang face à des acteurs hors norme. Toutes les deux nous avons beaucoup aimé le jeu de lumières ainsi que le décor très moderne notamment la brume qui renvoyait à l'atmosphère sombre et macabre. Nous étions ainsi plongées dans un autre univers, si bien que nous n’avons pas vu passer les 3 heures 20 de spectacle.

En deux mots, une belle prestation, une mise en scène soignée et efficace et un jeu d’acteurs très convaincant. Une très belle soirée.

Les avis des élèves de seconde 9 sont partagés sur la représentation de Britannicus de Jean Racine.

Mise en scène de Jean-Louis Martinelli, Théâtre Nanterre-Amandiers, Le 6 octobre 2012.

par Carole-Anne FAULLIMMEL et Louise DENNIEL.

Au premier abord, le décor frappe par sa simplicité et son dépouillement. Mais on sent une réelle recherche : le décor est ouvert en demi-cercle, un impluvium en occupe le centre comme dans les domus romaines. Autour de celui-ci, un plateau tourne. Le metteur en scène a sûrement voulu faire référence à la salle à manger de Néron, qui d’après les récentes recherches d’archéologues français et italiens, était tournante. Au lever du rideau, la pluie y tombe et donne une impression de lourdeur dès le début de la pièce : l’ambiance paraît déjà tragique. Les hauts murs et les arcades nous transportent dans l’architecture des palais romains et donnent une impression de grandeur et de froideur. Au fond, un haut mur de briques rouges et un drapé tranchent avec les couleurs froides de l’avant-scène.
Les costumes sont très recherchés pour les rôles féminins, Agrippine, Albine et Junie, et au contraire plus sobres et minimalistes pour les rôles masculins, le tout répondant à une esthétique assez discrète. Le costume de Néron nous montre dès son entrée sur scène son statut, c’est-à-dire empereur romain.
La mise en scène est rigoureuse, simple et met particulièrement en valeur l’intensité des passions. Le jeu de lumière renforce tout au long de la pièce l’atmosphère dramatique.
L’attention se focalise d’autant mieux sur le jeu des acteurs, percutants, dont la diction claire et classique respecte parfaitement le sens et le rythme des vers de Racine.
Agrippine, jouée par Anne Benoît, avec son timbre de voix si particulier et une gestuelle soigneusement étudiée, nous transporte dans le drame dès le début. À la fois subtile et passionnée, elle est plus que crédible dans son rôle de mère abusive et avide de pouvoir. Sa confidente Albine, interprétée par Agathe Rouiller, la complète bien. Il y a une véritable complicité entre elles.
Alain Fromager en Néron est un empereur inquiétant et noir, en lutte permanente entre sa faiblesse et sa volonté de s’affirmer. Son jeu scénique rend parfaitement les passions qui l’animent.
Le personnage de Britannicus, joué par Éric Caruso, est plus effacé. Son interprétation de personne victime et naïve est en parfait accord avec Anne Suarez dans le rôle de Junie, une victime très convaincante, à la fois accablée de douleur mais forte.
Burrhus, dont le rôle est tenu par Jean-Marie Winling, est malheureusement un peu difficile à entendre sur ses fins de vers mais est pourtant parfait dans le rôle de conseiller rompu à l’exercice du pouvoir, dur et solide mais qui laisse voir qu’il est ébranlé dans ses certitudes par cette tragédie.
Seul point négatif : Narcisse, personnage noir de duplicité, traître et perfide, n’est pas très convaincant : le comédien Grégoire Oestermann n’est pas très machiavélique et ne semble pas être rentré entièrement dans ce rôle.
On ne peut qu’apprécier cette version de Britannicus par Jean-Louis Martinelli, qui en respecte l’esprit tout en introduisant des aspects plus modernes pour rendre intemporel le thème politique du sujet. Tout au long de cette représentation, le public est séduit par la mise en scène, l’intensité du jeu des acteurs et les passions qui se déchaînent sous leurs yeux.

pour Mark Gondoin et Herbot Mesnard.

 
Britannicus, tragédie de Racine, est l’histoire d’un conflit de pouvoir et d’amour qui oppose des personnages d’une grande famille romaine. Néron, empereur de Rome, enlève Junie, l’amour de Britannicus, et devient de plus en plus cruel au fur et à mesure de la pièce. Il est, en quelque sorte, un monstre en éclosion. Son changement devient apparent par les nombreux conflits qui l’opposent à sa mère, Agrippine, à ses conseillers, Burrhus et Narcisse, et, bien sûr, à son demi-frère, Britannicus. En reprenant un « classique » de Jean Racine Jean-Louis Martinelli, considéré comme étant l’un des meilleurs metteurs en scène de Racine, se lance dans la production d’une pièce où le héros n’est pas Britannicus (Éric Caruso) mais bien Néron (Alain Fromager). Nous avons assisté à cette pièce le 6 octobre 2012 au théâtre des Amandiers, à Nanterre. Celle-ci n’a ni été un grand succès, ni un véritable échec.
Cette tragédie dans laquelle figurent de nombreux « grands noms », tels Anne Benoît, Jean-Marie Winling (Cyrano de Bergerac) ou bien Grégoire Oestermann (Intouchables), est plus approprié pour un public mûr qui connaît déjà l’histoire, car le texte de Racine est compliqué et très mouvementé, avec de nombreux renversements de situation pour 2h10 ! Le Britannicus de Martinelli présente néanmoins certains aspects originaux, intéressants, qui rendent la pièce plaisante. La scène, largement dépouillée, était composée d’une plateforme rotative très lente, avec un petit point d’eau en son centre, et d’une chaise, le trône de Néron. La vitesse de cette plateforme était bien choisie, attirant le regard du spectateur et offrant plusieurs angles de vue pour une scène unique. Le point d’eau a agi comme point de séparation entre les deux moitiés de la scène, utile pour représenter deux personnages qui s’opposent par exemple.
Le choix des acteurs est un aspect plus délicat de la pièce. Ils ont pour la plupart rempli leur rôle en y apportant parfois une signification subtile et intéressante. Par exemple, Alain Fromager nous propose un Néron qui a déjà l’expérience du pouvoir, tandis que le personnage de Racine n’a que 17 ans. Anne Benoît (Agrippine) fait preuve d’autorité, semble forte et s’accorde donc avec le personnage manipulateur imaginé par Racine. Mais elle était par moments trop expressive et perdait donc en crédibilité. Burrhus (Jean-Marie Winling) nous a étonnés. Tout d’abord, il était l’acteur qui prononçait son texte le plus clairement, ce qui le rendait parfaitement compréhensible. De plus, il montrait sa subordination tout en prenant des libertés face à son maître, et s’accordait donc parfaitement au personnage de la tragédie de Racine. Au contraire, Narcisse (Grégoire Oesterman), malgré son jeu convenable, n’exprimait pas son texte assez clairement, et était de ce fait difficile à comprendre. Anne Suarez en revanche a très bien joué son rôle de Junie, surtout lors de son premier entretien avec Britannicus, où l’on a très bien ressenti les émotions qu’elle voulait faire passer.
Enfin la pièce manquait de vivant, et regarder six personnages jouer sur une grande scène dépouillée devenait lassant au bout de deux heures. L’apparition de quelques personnages en plus, comme des gardes par exemple, aurait pu pallier l’ennui.
La représentation de Britannicus a donc été une expérience intéressante, dans laquelle des idées originales nous ont ravis. Cependant, certains aspects de la pièce nous ont déçus. Les textes de Racines requièrent une expression et une articulation quasi-parfaite, ce qui n’était pas toujours le cas dans cette représentation de Britannicus. De ce fait, malgré de bons éléments, la pièce ne nous a pas entièrement captivés.