blog des classes de mme mouquin

Nous avons écouté en classe un entretien avec Gaël Faye à l'occasion de la parution de Petit Pays. Le voici : 

Musicien, Gaël Faye vient de publier son premier roman, « Petit Pays », aux éditions Grasset. Le Franco-Rwandais nous livre le récit poignant d'un enfant à Bujumbura dans les années 1990 qui raconte comment les guerres du Burundi et du Rwanda ont mis fin à son insouciance. Récompensé par le premier prix littéraire de la rentrée, décerné par la Fnac, ce livre sélectionné aussi dans la première liste du prix Goncourt, est l'un des grands coups de cœur de la rentrée littéraire.

RFI : « Petit pays », c’est aussi le titre d’une de vos chansons. Le pays c’est le Burundi, vous y êtes né, et il sert de cadre à ce livre dont l’action se déroule dans les années 1990. Mais pourquoi petit ?

Gaël Faye : « Petit pays », dans un premier temps, c’était un terme affectif, et puis il y a également une histoire à hauteur d’enfant. C’est un regard d’enfant, donc le « petit », c’était aussi pour évoquer ce regard d’enfance.

Le héros, Gabriel, a une dizaine d’années en 1992. Alors ce n’est pas vous exactement, Gaël Faye, même si vous partagez de nombreux points communs : un père français, une mère rwandaise, une enfance au Burundi… Peut-être le même refus à prendre parti et choisir entre être Hutu ou Tutsi. Mais est-ce que les ressemblances s’arrêtent là exactement ?

Gabriel et moi partageons effectivement les mêmes origines, la même identité. Mais au-delà de ça, ce qui m’intéressait, c’était de retrouver les saveurs, les couleurs, la musique de cette époque-là. C’est ce qui me rapproche le plus de ce personnage. C’est pour ça que j’ai voulu parler au « Je ». C’était vraiment pour retrouver ces sensations.

Donc à la fois c’est votre histoire, mais pas complètement ?

Non, ce n’est absolument pas mon histoire. Je n’ai pas vécu ce que le personnage traverse. Par contre, je l’ai mis à l’intersection de mes propres origines. Je lui ai donné les interrogations qui moi-même m’ont traversé également et moi c’était surtout un exercice qui m’a permis de me replonger avec délectation dans cette époque bénie du temps béni [rires]. Et c’est le paradis perdu qui m’intéressait avant tout, cette impasse, ce petit cocon dans lequel je me suis senti bien en tant qu’enfant et dans lequel tout adulte peut se remémorer son enfance aussi de cette manière-là. C’est surtout un roman qui aborde la question du paradis perdu.

Au début, c’est le paradis perdu. D’ailleurs le livre a un ton léger puisque ce jeune narrateur raconte sa famille, son père, sa mère qu’il aime beaucoup, ses copains, les quatre-cents coups avec la bande des jumeaux : Armand, Gino… C’est les cinq garçons inséparables. Gabriel découvre la vie… Tout est frais. Et puis, peu à peu, l’histoire de l’Afrique le rattrape : les guerres au Burundi, au Rwanda, les massacres qui vont donner un ton beaucoup plus grave au récit. Est-ce que cette douleur, que vous avez connue enfant, s’est accentuée au moment de l’écriture ou s’est atténuée comme un fardeau qu’on dépose ?

Je n’ai pas eu besoin de ce livre pour déposer un fardeau ou pour être dans une forme de thérapie par l’écriture. La musique m’avait permis déjà de franchir ce pas. Ce roman, je l’ai écrit beaucoup plus en souriant qu’en pleurant. Parce que j’ai réussi à faire surgir un monde qui a disparu, qui reste dans la mémoire, dans les souvenirs de personnes qui ont vécu cette époque-là. Au fil de l’écriture, j’ai ressenti des choses comme dans une séance de spiritisme. J’ai ressenti de vieilles sensations. Je n’ai pas ressenti de douleur. Je l’ai même atténuée. La guerre, la souffrance est pour moi atténuée, non seulement par le regard de l’enfant, mais même dans les descriptions.

Ce qui s’est passé dans ces régions-là a atteint des sommets de violence et d’horreur que même la littérature ne pourrait pas décrire. Et j’ai essayé – comme le personnage met la violence à distance, moi-même en tant qu’écrivain à ce moment-là – j’ai essayé de mettre le plus longtemps cette violence à distance et de ne pas trop la décrire.

http://www.rfi.fr/culture/20160908-gael-faye-petit-pays-absolument-pas-histoire

Au choix pour la rentrée : 

- "Demain dès l'Aube", le poème écrit par Hugo sur la mort de sa fille Léopoldine. Elle s'est noyée en 1843 lors d'une promenade en barque. Son mari est mort essayant de la sauver. Victor Hugo était alors avec sa maîtresse, en voyage en France, et on dit que c'est dans le journal qu'il apprit la mort de sa fille. Le poème fut écrit 4 ans plus tard, le 4 octobre 1847 : pour donner sens au premier mot, "demain", Victor Hugo a remplacé la date de composition par "3 septembre 1847" — Léopoldine étant morte un 4 septembre. Victor Hugo a aussi écrit un poème en hommage à son gendre, qui porte son nom : "Charles Vaquerie"

Demain, dès l’aube, à l’heure où blanchit la campagne,
Je partirai. Vois-tu, je sais que tu m’attends.
J’irai par la forêt, j’irai par la montagne.
Je ne puis demeurer loin de toi plus longtemps.

Je marcherai les yeux fixés sur mes pensées,
Sans rien voir au dehors, sans entendre aucun bruit,
Seul, inconnu, le dos courbé, les mains croisées,
Triste, et le jour pour moi sera comme la nuit.

Je ne regarderai ni l’or du soir qui tombe,
Ni les voiles au loin descendant vers Harfleur,
Et quand j’arriverai, je mettrai sur ta tombe
Un bouquet de houx vert et de bruyère en fleur.

Victor Hugo, extrait du recueil «Les Contemplations» (1856)

Le théâtre Alexandre Dumas a accueilli le 15 février 2019 une mise en scène de Hamlet, la fameuse tragédie de Shakespeare, par Xavier Lemaire. Hamlet était incarné par Grégori Baquet. 

            Qui ne connaît Hamlet et son « Être ou ne pas être… » ? Hamlet hésite à mourir, parce qu’il hésite à tuer. Le fantôme de son père lui révèle au début de la pièce qu’il a été assassiné par son propre frère, devenu roi du Danemark, et qui a en outre épousé la femme de sa victime et mère de Hamlet, la reine Gertrude : il enjoint à Hamlet de le venger, ce que ce dernier finit par faire après bien des atermoiements, laissant sur son passage une longue liste de morts, parmi lesquels la douce Ophélie.

            La mise en scène choisie par Xavier Lemaire est sobre. Elle repose avant tout sur deux éléments amovibles qui  représentent successivement une tour, les gradins d’une salle de spectacle, un rempart extérieur, un mur derrière lequel se dissimulent certains personnages, et même un cimetière. Les changements rapides de ce décor d’une scène à l’autre, soutenus par une musique contemporaine et par les fortes variations d’éclairage, permettent de se passer d’entractes. Au fond, un rideau transparent crée une autre répartition spatiale, divisant parfois la scène en deux pour opposer certains personnages à d’autres (les courtisans festoyant à Hamlet, par exemple). Le metteur en scène a modernisé la pièce, non seulement dans le choix d’une traduction faisant large place à un vocabulaire contemporain, mais aussi dans les costumes. Les hommes portent des jeans, et les soldats portent des fusils ; cet anachronisme est compensé par le choix de vestes imitant la fourrure, pour évoquer sans doute un Danemark médiéval rude et rustique, qu’on retrouve dans les étranges bois de cerf ornant la robe de Gertrude, ou de sortes de pourpoints à l’ancienne pour les nobles. Le mélange de l’ancien et du moderne fusionne en une sorte d'intemporalité. Modernisation enfin dans la transposition de la pièce de théâtre qu’Hamlet fait représenter devant son oncle afin de l’obliger à trahir son crime lorsqu’il verra les comédiens jouer l’assassinat d’un roi par son frère. Ce passage a été traité en effet sous forme de concert de rock, avec costumes, écran, guitare électrique, paparazzi et micros. Le rôle de la comédienne est tenu par un travesti, sans doute pour évoquer la réalité historique du théâtre anglais au temps de Shakespeare, où aucune femme ne montait sur les planches. N’oublions pas le recours à un tissu fluorescent pour rendre le fantôme, mélange de Darth Vador et de squelette, accompagné du traditionnel brouillard et d’obscurité, qui lui donne un côté surnaturel et spectaculaire très convaincant. 

            La pièce a pour elle une très grande lisibilité, grâce aux incessants changements de décor, aux éclairages, qui guident le spectateur vers tel ou tel personnage, et à la symbolique des costumes ; chaque personnage en effet a sa couleur : noir pour Hamlet, parfois en haillons, à mesure notamment que progressent sa tristesse et sa folie ; rouge pour sa mère, Gertrude, sous le signe de l’amour charnel ; bleu pour le roi Claudius ; vert pour Ophélie, en harmonie avec la nature à dont elle est proche. On ne peut qu’admirer l’ingéniosité du décor polymorphe, renforcé par des bruitages (bruits de mer, de mouettes, lorsque la scène se passe au port). La mise en scène se distingue aussi par son grand dynamisme. La musique, la modernité des paroles, la prestation magnifique de Grégori Baquet, qui incarne tour à tour avec fougue les émotions contradictoires traversant Hamlet, la scène enlevée du duel, l’interlude inattendu du concert, donnent un vrai rythme à une tragédie extrêmement longue dans sa version écrite. Les acteurs courent, sautent, dansent, se battent : le spectateur est entraîné. Il adhère à l’innocence très naturelle d’Ophélie, à l’inquiétude des soldats, à la soif de vengeance de Laërte, au cynisme de Claudius. La folie de Hamlet est présentée résolument comme un choix de sa part et une façade qu’il maintient, même face à Ophélie, pour donner le change à son oncle qui l’écoute. Enfin, cette mise en scène respecte la dualité inhérente aux tragédies de Shakespeare, qui font toujours une place à l’humour, voire à la bouffonnerie la plus extrême et aux grivoiseries. Polonius, personnage ridicule, est particulièrement réussi. Le duo de Rosencrantz et Guildenstern, contrastant par leurs statures, affublés pareillement de tenues roses et violette de grooms, est grotesque à souhait, dans son jeu de courbettes grimaçantes. Nul ne regrettera leur mort ! Quant à Hamlet, il sait faire rire comme il sait faire pleurer. 

            On peut ne pas adhérer au choix provocateur d’un travesti et aux mouvements parfois obscènes suggérant l’adultère entre le roi Claudius et sa belle-sœur Gertrude, d’autant plus que la musique se fait à cet instant extrêmement forte, presque gênante, et que les paroles des comédiens sont alors peu compréhensibles en dépit des micros. Cette violence du désir amoureux est cependant présente dans la pièce de Shakespeare. De même, les puristes déploreront l’absence de Fortinbras : en éliminant complètement le jeune prince de Norvège, rival et double de Hamlet, qui à la fin de la pièce devient roi du Danemark, le metteur en scène a considérablement allégé la pièce et réussi à la faire tenir en 2h30 sans incohérence ; il a du même coup ôté à la pièce une bonne part de sa dimension politique et notamment la réflexion sur le pouvoir et la guerre. Hamlet se transforme alors en une tragédie plus uniquement familiale, malheureusement assez mal servie par Gertrude, affectée par moments, guindée à d’autres, affublée de bois de cerf qui intriguent sans rien apporter. Ce personnage, certes très difficile, a ses moments, mais est inégal. 

            Le Hamlet de Xavier Lemaire, entraînant, inventif, non sans une grande noblesse due en grande partie à la performance de Grégori Baquet, demeure jubilatoire ; il démontre, une fois de plus, l’incroyable plasticité des pièces de Shakespeare, si riches qu’il faut à la scène y faire des choix. L’alternance entre la méditation sur la fragilité de la vie et les bouffonneries les plus exubérantes, entre la beauté de vers étranges et surprenants (« Le temps est disloqué »), les jeux de mots et les sentences paradoxales (« On peut sourire et toujours sourire et être un traître »), font de Hamlet un trésor inépuisable de la culture occidentale, que Xavier Lemaire et sa troupe savent faire briller pour le plus grand plaisir du spectateur. 

http://www.tad-saintgermainenlaye.fr/1080-901/fiche/hamlet.htm

Je préfère Olivier car il est très sage ;  comme il est dit à la laisse 87 : « Olivier est sage ». Il ne baisse jamais les bras et pense surtout à sa survie et celle de ses compagnons, mais il est vrai qu'il n'a pas assez confiance en lui, contrairement à Roland qui, lui, est toujours sûr de lui et ne se soucie pas de sa propre vie : il est très orgueilleux, ce qui m'agace énormément. (Alicia)

Je préfère Olivier car c'est celui qui est plus sage que Roland comme le dit le début de la laisse 87 : « et Olivier est sage ».

Il ne veut jamais baisser les bras, il veut montrer son courage.

Roland, lui, est orgueilleux et toujours sûr de lui : ce comportement m'agace.

Je n'aime pas les personnes qui sont toujours sûres d’elles et se prennent pour les plus fortes. (Sana)

Je préfère Roland à Olivier parce que Roland est courageux et sûr de lui : il n’a peur de personne et il combat contre n’importe qui. Et je le préfère à Olivier car il est déterminé. Olivier est trop prudent, trop sage pour mo. Il est trop caché et je n’aime pas trop ça car quand on combat on doit savoir qui tu es et si tu es trop caché on ne peut pas savoir qui tu es. Roland, lui, quand on le voit on sait qui c’est. (Mady)

Olivier, parfois nommé Oliver de Vienne, est un chevalier sage, calme et très rusé, il sait aussi garder son sang froid en cas d’extrêmes urgences or Roland, lui, préfère foncé tête baissée, pas comme Olivier qui trouve toujours une stratégie. Mais Roland lui a une qualité : dans tout ce qu’il fait il montre sa bravoure. (Matthieu)