histargeo

Les Danseuses bleues, Edgar Degas, 1893, musée d'Orsay

Le tableau "Les Danseuses bleues", datant environ de 1893 représente quatre jeunes ballerines vêtues de robes bleues, dans les coulisses, se préparant au spectacle. En arrière plan, on peut apercevoir trois femmes, qui semblent plus âgées et habillées en jaune.

Sur ce tableau, on observe la décomposition du mouvement des ballerines. Les visages sont en quelque sorte "brouillés". Les couleurs des robes sont assez prenantes. L'arrière plan est peint avec des points de différentes couleurs, roses et bleus.

Edgar Degas aimait reproduire la spontanéité. Il était fortement fasciné par les danseuses, non seulement sur scène, mais les peignait aussi dans les loges. Il avait tendance à préférer les représenter avant ou après le ballet que pendant, et était en admiration devant la grâce de ces femmes.

"Les Danseuses bleues" montrent la réalité de ces filles, qui, issues des milieux les plus pauvres de l'époque dansaient pour apporter de l'argent à leur famille. Il arrivait aussi à Degas de représenter des hommes au cotés des danseuses pour montrer la prostitution, qui était fréquente dans le milieu de la danse.

J'ai choisi ce tableau parmi les autres car j'apprécie les couleurs utilisées. J'aime leurs gestes gracieux et l'impression qu'elles donnent d'avoir été prises sur le vif en train de se préparer.

Roxane

C'est un tableau de Jules Breton (1827-1906) conservé au musée d’Orsay. La taille de cette toile est de 90x1176 cm.

Cette scène représente des glaneuses à la fin de leur journée de travail à Courrières. C’est une scène ordinaire de la vie paysanne, le moment où les glaneuses quittent le champ. Quelques détails nous font remarquer que cette scène représente une scène de fin de journée. Le croissant de lune présent en haut à gauche du tableau, un garde champêtre adossé à une borne rappelant les glaneuses. Puis le dernier élément est la couleur du ciel dû à un couché de soleil. Il est à noter que Jules Breton n’a pas réalisé une scène de travail comme l’avait fait Jean François Millet avec son tableau Les glaneuses. Ce tableau est complètement idéalisé. Les femmes sont représentées pieds nus (avec des pieds qui ne sont pas écorchés). Ce qui est le plus étonnant est le fait que les femmes se tiennent droites après plusieurs heures de travail aux champs (comme si celles-ci n’étaient pas fatiguées). Ce qui est réaliste ici est le fait que certains vêtements soient déchirés, abimés.  

Avec ce tableau, offrant une vision idyllique du monde du travail, Jules Breton connaît alors un fort succès. L’impératrice Eugénie le fera même acheter par Napoléon III. 

Guillaume

La falaise d'Etretat après l'orage, G.Courbet

J’ai choisi d’étudier La falaise d’Étretat après l’orage de Gustave Courbet. Gustave Courbet est un homme politique engagé et un peintre français du 19^ème siècle. Il est le chef de file du courant réaliste. Courbet finit cette peinture en 1870. Cette œuvre est une huile sur toile de 133 sur 162 cm qui est exposée au musée d’Orsay.

 Au début du 19^ème siècle, Etretat est une ville qui attire les peintres pour la pureté de son air et la qualité de sa lumière. Au cours de l’été 1869, Gustave Courbet s’installe dans cette petite ville de Normandie. Il emménage dans une maison située au bord de la mer, près de la falaise qui est prise pour sujet dans de nombreuses toiles. Cependant aucune n’est aussi aboutie que La falaise d’Etretat après l’orage.

Ce tableau représente la célèbre falaise d’Etretat. Dans ce paysage pur, sans présence humaine ni scène de vie, Courbet trouve un équilibre parfait pour sa composition entre la terre, la pierre, le ciel et la mer. Il parvient à rendre pratiquement palpable chacun des éléments naturels. La transparence de l’atmosphère, la lumière limpide d’après la pluie sont magnifiquement retranscrites. Le critique Castagnary, ami de Courbet et défenseur du réalisme, parle de « l’air libre et joyeux qui circule dans la toile et enveloppe les détails ». On comprend alors l’admiration des futurs impressionnistes pour la lumière et la franchise de Courbet.

Au salon de 1870, Courbet expose Les falaises d’Etretat après l’orage. Les commentaires élogieux exprimés à cette occasion posent un peu plus la notoriété de Courbet, et en font l’un des personnages incontournables de la vie artistique de cette époque.

J’ai choisi ce tableau parce que c’est la représentation la plus aboutie des falaises d’Etretat car les traits du tableau sont précis et reflète bien la réalité contrairement à d’autres comme par exemple les toiles de Monet sur le même sujet. De plus cette œuvre a été réalisée par un grand homme du 19^ème siècle, Gustave Courbet. Aussi à cette époque la taille de la toile est d’habitude réservée aux scènes de vie, dans ce tableau aucun signe de vie humaine n’est présent, ce qui fait que j’ai été interpellé par cette peinture, de plus je suis sensible à tout ce qui touche le milieu marin, en effet depuis ma plus tendre enfance je fais du bateau et j’ai plaisir à me retrouver en ces lieux. Concernant Etretat, je navigue souvent dans ces eaux là. Enfin ce chef d’œuvre nous a été présenté par le guide du musée ce qui m’a permis de mieux la comprendre.

Tim

Chasse aux Lions, Delacroix
Lors de la visite au musée d'Orsay, j'ai choisi  "Chasse aux lions", qui est une peinture à l'huile d'une hauteur de 86cm sur 115cm de largeur peinte en 1854 par 
Eugène Delacroix (1798-1863) a peint cette toile plusieurs années après un voyage en Afrique où il avait assisté a une scène semblable, Eugene Delacroix est considéré comme un représentant par excellence du romantisme.
Lorsqu'on aperçoit ce tableau, si on ne connait pas son nom ni ce qu'il représente on a d'abord l'impression que c'est une peinture abstraite, mais en observant bien la toile on reconnait bien les lions qui sont peint à l'aide de couleurs chaude ce qui attire l'œil plus que les couleurs froides utilisées pour les détails moins importants du tableau dans lequel Eugène Delacroix utilise principalement les trois couleurs primaires (jaune, rouge, bleu).
J'ai donc choisi ce tableau car je l'ai trouvé plutôt original car il faut bien l'observer pour le comprendre contrairement à la plupart des autres tableaux où l'on arrive à voir plus simplement ce qu'ils représentent.
Jim
Olympia, de Manet, 1863

 


Les deux tableaux interprètent deux scènes différentes, celle de Titien
comprend une femme innocente et celle de Manet une prostituée. Une servante lui
apporte un bouquet de fleurs qui nous laisse supposer à un cadeau de la part
d'un client déjà parti ou qui va bientôt arriver, mais Victorine a l'air de
s'en désintéresser. Le tableau manque de perspective qui est très critiquée
lors de sa parution. Ce tableau est à l'encontre de l'idéalisation des nus de
l'époque, en effet, le peintre montre réellement la "beauté" des
femmes du 19e siècle. 
J'ai choisi cette toile car c'est celle qui m'a le plus marquée, je la trouve très réaliste. Le fait que le peintre ait suscité
autant de critiques me plait davantage et c'est pourquoi je l'ai choisie. 

Portrait de famille, Degas, 1874

Portrait de famille est un tableau exposé au Musée d’Orsay, et qui a été peint par Edgar Degas en 1874. Edgar Degas était un peintre, un graveur, un sculpteur et un photographe français. Il fait parti du mouvement impressionniste même s’il n’a pas les mêmes techniques que les autres, c’est-à-dire qu’il ne mise pas tout sur les effets de lumières.

Edgar Degas était connu aussi pour une phrase qu’il disait souvent : « Je suis le peintre classique de la modernité ». On peut comprendre de cette phrase que Degas est un peintre qui fait des choses nouvelles mais qui reste dans la simplicité.

Sur ce tableau il nous présente, La Famille Bellelli. Les membres de cette famille était de la famille à Edgar Degas, nous pouvons voir sa tante paternelle Laure et son époux le baron Bellelli et leur deux filles Giula et Giovanna.

Si l’on regarde l’expression de chaque personnage nous pouvons voir que la mère a un visage très dur, elle a une expression impressionnante qui dégage l’autorité que n’a pas le père. Si nous regardons les deux petites filles nous pouvons constater qu’il y a un contraste entre les deux. La plus grande qui se trouve près de la mère à la sagesse d’un ange elle est sous le contrôle de ses parents, contrairement à sa sœur qui elle à la sagesse d’un petit diable. Nous pouvons voir qu’elle a les bras sur les hanches, signe qu’elle est une petite rebelle et qu’elle ne veut pas faire ce que son père lui demande.

De plus, sur ce tableau des suggestions de fuite apparaissent, avec le chien que l’on voit à moitié. Le format (H : 2m ; L : 2.5m), les couleurs sobres, donnent un climat de malaise. En effet Degas voulait mettre en évidence les tensions dans les familles.

Fabienne

Arrangement en noir et gris, par Whistler, 1871

Mon regard a été attiré par une peinture réaliste vue dans un film lorsque j'étais un petit enfant. J'aurai pu choisir un autre tableau comme celui de William Bouguereau, Les Oréades une peinture représentant des nymphes qui partent chasser sous le commandement de Diane, la déesse de la chasse. Cependant, je pense que l'oeuvre que j'ai choisi possède quelque chose de plus spécial. Il est apparu dans le film Bean sorti en 1997, qui est une véritable institution en Grande-Bretagne.  C'est l'Arrangement en gris et noir n°1 aussi appelé Le portrait de la mère de l'artiste de James Abbott McNeill Whistler.

Il faut tout d'abord savoir que la femme représentée est la mère de James Whisler. Elle avait 67 ans lorsqu'elle posa pour son fils. C'était une mère sévère, qui contrôlait la vie de son fils.

Et je pense que l'artiste l'a très bien représentée. On a un tableau assez fade et pâle. Les couleurs donnent une impression de négligence, un peu souillon. Un rideau noir couvre un tiers du tableau, et on trouve une peinture dans la peinture : le tableau accroché au mur est celui d'Alfred Sisley, la Vue de la Tamise. La mère, qui est la pièce maîtresse de l'oeuvre, n'est même pas au centre du tableau. Comme si Whistler voulait l'écarter ou l'éloigner. Elle a l'air raide, ridée et est représentée de profil. Assise, elle a l'air flasque, et semble suivre les courbes perpendiculaires du tableau en face d'elle. Je pense que dans ce tableau, James Whistler a peint sa mère dans cette position, assise dans une pièce froide en montrant ses sourcils froncés et son effrayant regard, pour la châtier. Il la montre au monde dans toute sa laideur et sa sévérité. Mr Bean lui a d'ailleurs donné le nom de « vielle peau ».

La petite anecdote, c'est que dés que j'ai vu ce portrait dans le film Bean, j'ai été traumatisé. James Whistler peut donc se réjouir car il a réussi à faire ressentir la laideur de sa mère, même à un enfant.

Philippe

Divina Tragedia, Chenavard, 1869

Divina Tragedia est commandée à Chenavard par Charles Blanc, le directeur des beaux-arts, juste après la révolution de 1848. Le nouveau gouvernement souhaite en fait transformerPanthéon de Paris en un "temple de l'humanité" qu'il veut décorer d'une grande toile sensée résumer toutes les traditions religieuses. Mais le projet est finalement abandonné, lorsque Louis-Napoléon Bonaparte transforme en 1851 le Panthéon en culte catholique.

Néanmoins, à l'approche du Salon de 1869, Chenavard décide de reprendre l'idée d'origine et peint la Divina Tragedia, qui représente "l'histoire des religions".

Contenant un surplus d'informations et d'histoires entremêlées, le public tombe dans la totale incompréhension et critique violemment le tableau. Jugé trop humanitaire, Chenavard s'attire également les foudres de Balzac et de Baudelaire qui ne le considèrent même pas comme un peintre. Ils disent de lui que son esprit est "brumeux, fuligineux" et qu'il "prétend remplacer le livre par une peinture". Peinture qui s'avère être d'une confusion absolue. L'Etat rachètera tout de même le tableau pour le conserver au musée du Luxembourg.

On peut observer plus précisément sur ce tableau une bataille entre dieux au milieu du ciel. De nombreuses créatures sont représentées ici : elles sont en apparence humaines, mais possèdent des traits fantastiques : dents aiguisées, cornes, ailes, visages animals etc ... On peut aussi voir la Mort en haut à droite, munis de sa faux. Selon des explications trouvées sur internet et que j'avoue avoir assez mal compris, il s’agirait de l'avènement des "nouveaux dieux", comme l'indique également la légende du tableau : "Vers la fin des religions antiques et à l'avènement dans le ciel de la Trinité chrétienne, la Mort, aidée de l'ange de la Justice et de l'Esprit, frappe les dieux qui doivent périr". 

Jérémy